[Interview] Eumakjournal, May 2020

“같은 작품도 늘 신선하게 전달하는 것이 목표”

말러는 생전에 “언젠가 나의 시대가 올 것”이라고 했다.
생전에 베토벤과 같은 찬사와 숭배를 누리지 못했던 말러는
사후 100주년인 1960년을 기점으로 서양 음악계에 붐을 일으키기 시작하더니
현재는 마니아를 넘어선 폭넓은 팬층을 형성하고 있다.
세기말의 회의, 불안, 고뇌를 표현한 말러에 심취한 지휘자이자 작곡가인
레너드 번스타인이 세상 밖으로 그를 끄집어 내 빛을 보게 했다면,
한국에서는 부천필하모닉오케스트라(이하 부천필)가 그러한 역할을 했다고 볼 수 있다. 역시 말러에 깊은 애정을 가진 지휘자 박영민과 함께 빚어내는 부천필의
말러는 관객들에게 깊은 통찰력과 새로운 감각으로 다가와 묵직한 감동을 주고
이제 또 한 번의 역사적인 완주를 앞두고 있다.  

올해, 2015년 부천필 취임 연주회부터 시작한 ‘말러 시리즈’를 완주할 예정이고 5월에는 말러의 ‘죽은 아이를 위한 노래’, ‘대지의 노래’를 공연해 말러에 더욱 깊이 들어간다. 말러 시리즈 완주에 대한 소감은?  

처음부터 말러를 시리즈로 연주하려고 시작했던 건 아니었다. 

그런데 부천필은 워낙 말러 작품으로 많은 성과를 이루었기 때문에 

내가 온 이후에도 말러에 대한 사람들의 기대가 있었다. 그렇게 한 해에 한두 곡씩 하다 보니 어느새 완주에 이르렀다. 사실 8번의 경우 규모가 너무 크고 이벤트성이 강한 작품이라 고심했는데 11월, 시리즈의 마지막 무대에 올리게 되었다. 

5월 공연의 프로그램인 ‘대지의 노래’는 

심포니만큼 큰 비중을 가진 약 한 시간 길이의 관현악곡이다. 

말러의 교향곡 해석에 있어서 어떤 부분을 중심에 두고 이어왔는지,
또 인간의 삶과 죽음에 대한 고찰이라는 다소 난해할 수 있는 말러에
입문자들은 어떻게 접근하면 좋은지?  

부천필은 특히 말러 연주를 많이 했기에 큰 어려움은 없었다. 

하지만 늘 주의하는 것은 어느 한 스타일에 머무르지 않도록 하는 점이다. 

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나는 전에 했던 연주라도 새 악보를 가지고 보잉 등을 다르게 시도해 항상 새로운 해석을 하려고 애를 쓴다. 말러 5번과 2번은 두 번 이상, 1번은 여러 번 연주하고 녹음도 했는데 할 때마다 처음 연주하는 것처럼 신선하게 하려고 한다. 이 점이 특별 하다면 특별한 점이다.

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말러 작품은 몇 번 듣고 바로 매력을 느끼기는 쉽지 않다고 생각한다. 

일단 작품 길이가 대체로 긴데, 긴 음악을 조망할 수 있으려면 본인 스스로가 흐름에 따라 조이고 놓고 하면서 감상하는 수준이 되어야 가능하다. 즉, 음악을 많이 들어본 사람이어야 한다. 요즘 ‘쉽게 듣는 클래식’, ‘알기 쉬운 클래식’, 이렇게 제목을 많이 붙이는데 좀 솔직할 필요가 있다. 쉽지 않은 걸 자꾸 쉽다고 하면 오히려 금방 포기할 수 있다. 어려우니 접근하지 마라는 이야기가 아니라 무엇이든 더 높은 가치를 얻으려면 그만큼 시간과 노력을 더 지불해야 한다는 뜻이다.

공부한 만큼 아는 게 순리이지 않은가.

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말러는 유태인 혈통이지만 체코 태생이었고, 독일어를 쓰면서 오스트리아 빈에서 주로 활동했다. 소속이 없는 것에서 오는 불안함이 존재한다. 그리고 말러가 살았던 시대, 19세기 말 빈의 역사를 이해하면 도움이 된다. 그 당시 프로이트의 정신분석학이 예술적 사조에 영향을 주었는데, 빈은 보헤미안 지방과 이탈리안 지방을

아우르는 큰 제국의 수도로서 무척 인터내셔널 했다. 

이런 배경 때문에 말러의 음악은 시대적, 국가적 사조와 한계를 뛰어넘는 포용성이 있다. 여기에 말러가 어릴 때 겪었던 상황들-일찍 이별한 동생들로 접한 죽음의 의미, 그럼에도 유쾌하게 살아가는 아이러니한 삶의 모습-이 주었던 영향도 클 것이다. 이처럼 그를 둘러싼 것들을 종합적으로 판단하고 들으면 

복잡하고 난해할 수 있는 말러의 음악이 조금씩 다가올 것이다. 

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단, 너무 깊게 들어가면 우울함에 동화되는 부작용이 있으니 조심해야 한다.(웃음) 이번 5월 프로그램의 곡의 가사도 비탄적이다. 사이사이 잠깐씩 해가 비치지만 

전체적으로 무겁고 진지하다. 인간의 한계에 관한 메시지랄까.  

2018년 창단 30주년을 맞은 부천필과 어느덧 6년째 호흡을 맞추고 있다.
그간 다양한 작곡가 시리즈와 오페라 레퍼토리를 통해 꾸준히 성장을 도모해 왔다.
말러 이후 집중할 레퍼토리는?
또 부천필 만의 강점은 무엇이라고 생각하는지?  

오케스트라 규모에 있어서 부천필이 작은 오케스트라였다면 베토벤, 브람스에서 멈췄을 테지만, 부천필은 3관 편성에 단원 수가 80명 정도 된다. 그때그때 단기 단원들을 모아 4관 편성을 만들면 후기 낭만 작품을 연주하는데 무리가 없다. 

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후기 낭만의 대표인 말러를 꾸준히 하다 보니 그 주변에 있는 작품으로 영역 확장이 가능했던 것 같다. 브루크너·리하르트 슈트라우스·바그너 등을 그렇게 해나갔다. 리하르트 슈트라우스는 단원 개개인의 기량이 굉장히 좋아야 하는데, 스트링 파트의 연주력은 부천필의 강점이기에 도전할 수 있는 용기가 생겼다. 작년부터는 모던한 레퍼토리까지 내려왔다. 쇼스타코비치를 두 번 연주했고 스트라빈스키도 작년에 이어 코로나로 연기된 올해 교향악축제에서 연주할 계획이었다. 

앞으로 좀 더 현대적인 작품으로 나아가려고 한다.

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너무 어려운 작품만 하면 청중들이 선호하지 않기에 균형을 맞추는 점도 

하나의 숙제인데 다행히 부천필 공연을 찾아오는 분들은 비교적 잘 받아들이고 

이해하는 폭이 넓다. 그런 의미에서 부천이 음악문화에 있어서는 다른 도시에 비해 앞섰다고 얘기할 수 있는데 쉽게 접할 수 없는 레퍼토리를 가까운 데서 아주 저렴하게 들으니 관객에게도 좋은 기회가 될 수 있다고 생각한다. 물론 공감대를 형성할 수 있는 오페라, 신년, 해설 음악회에도 최선을 다해 밸런스에 신경 쓰고 있다. 

이런 음악회가 클래식에 관심을 갖게끔 유도하는 모티브가 될 수 있기 때문이다.

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부천필의 좋은 부분은 단원 모두 성실하고 음악에 진지하다는 것이다. 

기본적으로 음악의 높은 수준으로 가고자 하는 공동의 의지가 형성되어 있다. 

다만 심포니 오케스트라들은 여러 장르 중에 성악 장르와 같이 할 때 어려운 부분이 있다. 음악사를 보면 오케스트라는 오페라에서 시작되어 후에 심포니로 독립됐는데 시스템적인 문제 때문인지, 

우리나라에서 오페라는 반주한다는 느낌이 강해서인지 잘 하기가 쉽지 않다. 

오케스트라가 거꾸로 오페라를 주최하면 스케줄도 우리가 자유롭게 할 수 있어서 음악적으로 더 좋은 성과를 얻어낼 수 있다. 

이런 생각을 늘 가지고 있어서 1년에 한 번은 꼭 오페라를 한다. 

관객들 반응도 굉장히 좋다. 

각각의 작품마다 원하는 소리로 이끌어내는 방법이 다른지?  

해석에 있어서 예전에는 악보에 매우 충실한 편이었다. 

지금 충실하지 않다는 이야기는 아니지만 

요즘은 음악이 악보로부터 자유롭게 좀 더 음악이 가진 자체의 사운드와 흐름을 갖도록 표현해야 한다는 데로 스스로 변해가고 있다.

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작품의 장르적, 작곡가적 사조가 이미 고유의 사운드를 가지도록 한다. 

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예를 들어 초기 고전 시대의 음악은 바로크적 사운드가 남아 있고, 베토벤 즈음 오면 요즘 오케스트라 사운드가 난다. 후기 낭만 쪽으로 갈수록 점점 관악기가 보강되고 그에 맞춰서 현악기도 커진다. 좀 더 모던으로 들어오면 타악기도 많이 들어오면서 각 악기가 특색에 맞게 고루 분포되고 모두 중요해진다. 그러니까 시대별 작품은 편성의 캐릭터 때문에 벌써 자기가 가지고 있는 컬러가 있는 것이다. 작곡가들 또한 자기 작품에서 표현되는 특유의 컬러가 존재한다. 그다음, 연주하는 오케스트라에 맞게 기본적 사운드를 변환하여 표현하는 데서 차이점이 있을 수 있다. 템포, 프레이징 등 음악적 개성도 연습 과정에서 결정하는 것이다. 

나는 오케스트라 스코어도 계속 새로 산다. 같은 게 4개 있는 것도 있다. 학생 때 보던 건 창피해서 도저히 봐줄 수 없는 수준이다. 지금 사는 이 시점에 최선을 다하는 게 좋다. 현재의 음악적 상상을 있는 그대로 표현하는 것이 가장 의미 있다고 생각한다. 

1988년 수도권의 작은 도시에서 정단원 5명으로 시작한 부천필은 

이듬해 지휘자 임헌정을 상임지휘자로 영입하며 새로운 전기를 맞았다. 

창단된 지 얼마 지나지 않아 쇤베르크, 바르토크 등 20세기 작품을 초연하고, 

브람스와 베토벤의 교향곡 전곡 연주 시리즈를 성공적으로 해내며 

음악계에 조용한 파도를 일으켰다.

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부천필은 말러 교향곡 연주로 특히 유명하다. 

1999년부터 2003년까지 한국 최초로 이어진 말러 시리즈는 

당시 한국 클래식 팬들에게 생소했던 말러였음에도 불구하고 

그의 음악세계를 완벽히 재현한 탁월한 곡 해석으로 열풍을 일으키며 

우리 음악사에 한 획을 그은 기념비적 업적으로 평가받고 있다.

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부천필의 끊임없는 노력은 국내 예술전문가들의 압도적 지지를 얻어 

음악 단체 최초로 한국의 노벨상이라 불리는 2005년 호암예술상을 수상하는 

쾌거를 이뤄내게 하였으며 이를 통해 한국 오케스트라의 지형도를 바꾸며 

지금까지 정상급 위치를 유지하고 있다.

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2018년 창단 30주년을 맞이한 부천필하모닉오케스트라는 탄탄한 연주 실력과 

진취적인 도전을 통해 국내뿐 아니라 세계 어느 무대에 내놓아도 손색이 없는 최고의 오케스트라로 성장하였다. 특히 2015년부터 박영민 상임지휘자와 함께하며 

더욱 다채롭고 풍성한 레퍼토리로 한층 진화된 사운드를 들려주고 있다. 

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안주하지 않고 다시 새로운 도약을 준비하고 있는 부천필의 중심에는 

언제나 오케스트라의 최대치를 이끌어내는 

지휘자 박영민의 부드러운 카리스마가 있다. 

[출처] 2020년 5월호 / Cover Story            부천필하모닉오케스트라 상임지휘자 박영민|작성자 음악저널

 부천필은 지난 4월부터 쇼스타코비치 시리즈라는 야심찬 기획을 선보이고 있다. 이번 정기연주회는 그 시리즈의 두 번째 연주회로, 이날 연주된 두 곡 모두 쇼스타코비치의 작품으로 구성되었다. 사실 쇼스타코비치 탄생일이었던 이 날, 그의 음악으로만 채워진 이 날의 프로그램 구성은 그의 음악의 강렬한 표현성을 오롯이 경험하는 데에 충분했다.  

이 연주회에 앞서 부천필은 지난 249회 정기연주회에서 쇼스타코비치의 교향곡 12번을 연주했을 만큼, 최근 그의 작품에 집중하는 모습을 보여주고 있다. 지난 9월 초, 알렉세이 코르니엔코의 지휘로 아트센터 인천에서 연주되었던 쇼스타코비치의 교향곡 12번은 부천필의 쇼스타코비치 시리즈에 대한 기대감을 한껏 높여놓았다. 이번 정기연주회에서 선보인 쇼스타코비치의 10번 교향곡은 올해 10월 부천필의 유럽 투어 프로그램에 포함되어 있기도 해서, 이미 많은 이들이 주목하고 있었을 것이다.  


새로운 선택

지난 날 부천필이 쌓은 명성의 중심에는 단연 작곡가 말러가 자리하고 있었다.  
부천필은 올해 5월에도 말러의 대작, 교향곡 3번을 멋지게 소화했다. 부천필이 우리 나라 최초의 말러 교향곡 전곡 사이클을 완성한 시점으로부터 이제 16년이 지났다. 말러를 연주하는 것이 연주자들에게도, 청중들에게도 버겁던 시절, 부천필이 선택한 길은 결코 쉬운 길이 아니었다. 

그 사이 말러를 바라보는 대중들의 시각도 깊어졌고, 그것을 연주하는 오케스트라들의 기량도 과거와는 비교할 수 없을 정도로 향상되었다. 부천필은 이 모든 변화들의 중심에 있었다고 해도 과언이 아니다. 모두 이들이 젊고 패기에 넘쳤기에 가능한 변화들이었다. 


이제 부천필은 지휘자 박영민과 함께, 새로운 말러 시리즈를 진행하고 있고, 바그너와 리하르트 슈트라우스도 시리즈 음악회로 진행하고 있다. 이와 함께 이들이 선택한 ‘새로운 길’은 쇼스타코비치이다. 왜 하필 쇼스타코비치인지를 진지하게 물어볼 필요가 있다. 


왜 쇼스타코비치인가?

근래에 들어서 우리나라 오케스트라 프로그램에서 쇼스타코비치의 교향곡들은 심심치 않게 등장하고 있다. 그럼에도 청중들에게 쇼스타코비치는 아직 만만하게 들을 수 있는 작곡가는 아니다. 


여기에는 여러 이유가 있다. 먼저 쇼스타코비치가 구 소련을 대표하는 작곡가라는 사실은 우리나라의 분단 상황에서 그의 음악이 수용되는 데에 분명 걸림돌이었다. 1980년대 중반까지만 해도 그의 작품은 우리 나라에서는 연주는 물론, 음반 수입도 되지 않았으니, 한국의 청중들에게 그의 음악은 오랫동안 생소할 수 밖에 없었다. 냉전이 과거의 역사가 되었음에도 불구하고, 한국 클래식 음악 시장에서 말러가 받아들여지는 데에 얼마나 오랜 시간이 걸렸음을 생각해본다면 수긍이 갈 문제다.  

또다른 이유로는 쇼스타코비치가 20세기의 모더니스트로 인식되고 있다는 점도 들 수 있다. 일반 청중들이 여전히 현대 음악을 이해하기 어려운 음악이라는 선입견에 사로잡혀 있다면, 쇼스타코비치의 음악도 그런 선입견으로부터 자유로울 수 없을 것이다. 하지만, 쇼스타코비치는 교향곡과 현악사중주와 같은 매우 보수적인 장르에 많은 곡을 남긴 작곡가라는 점을 상기할 필요가 있다. 또한 그의 교향곡들은 18세기와 19세기 작품처럼, 모두 중심 조성을 가진 조성 음악이다. 쇼스타코비치의 음악 언어에 익숙한 청중이라면, 쇼스타코비치의 음악은 전통과 현대 사이에서 교묘한 줄타기를 하고 있다는 사실을 이제는 소리로 들어서 알 시간이 다가오고 있다.  

불과 20년 전까지만 해도, 말러는 낭만주의 시기의 마지막 작곡가로 평가받았었다. 그러나 근래의 음악사 연구는 말러를 음악에서의 모더니티의 출발점으로 본다. 오늘날 그의 음악이 계속해서 연주되고 감상되는 동안 현대 음악의 시작은 어느새 우리의 음악 문화 안에 깊숙이 자리잡았다. 쇼스타코비치의 음악도 마찬가지다. 쇼스타코비치가 남긴 15개의 교향곡이 전세계의 콘서트홀에서 각광받는 레퍼토리로 자리잡은지 오랜 시간이 지났다. 지난 날 여러 가지 이유로 무대에 올리지 못했던 이 작품들이 이제는 익숙해질 시간이 무르익었다.  

부천필의 새로운 기획 연주인 쇼스타코비치 시리즈는 단순히 오케스트라 레퍼토리 확장의 측면에서만 이해할 것이 아니라, 콘서트홀에 오는 청중들의 취향을 19세기에서 20세기로 넓히고자 하는 커다란 시각에서 바라볼 필요가 있다. 21세기의 관점에서 이제 쇼스타코비치를 “현대”의 카테고리에 넣기에는 애매모호한 시점이 다가오고 있다.  

최근 우리 나라에서도 교향곡 5번을 제외하고는 들을 기회가 상대적으로 많지 않았던 그의 교향곡들이 하나 둘씩 무대에 오르고 있음을 본다. 그래서 젊고 패기에 넘치는 오케스트라인 부천필의 쇼스타코비치 시리즈는 신선하고, 무엇보다 반가운 변화다.  

이 날 연주된 두 곡의 쇼스타코비치는 그가 어떤 색깔을 가진 작곡가인지를 강렬하게 보여주는 곡들이었다. 전반부는 문웅휘의 협연으로 첼로 협주곡 제1번이 연주되었고, 후반부에서는 교향곡 10번이 배치된 프로그램이었다. 이 두 곡을 관통하는 것은, 작곡가 쇼스타코비치가 교향곡 10번에 대해 이야기 한 것처럼, 인간의 감정과 열정이었다. 이 두 곡만큼은 연주자들의 열정을 최대한도로 끌어올리는 것이 이 두 곡이 가진 연주상의 과제이기도 했다. 


첼리스트 문웅휘와 첼로 협주곡 1번

이런 점에서 문웅휘가 협연한 첼로 협주곡 1번에서 시작 부분의 그 유명한 액센트 붙은 네 음의 스타카토 모티브는 못내 아쉬웠다. 오케스트라 서주 없이 협연자가 먼저 시작하는 1악장에서 솔로가 휘청하니, 박진감이 넘쳐야 하는 오케스트라의 리듬도 불안하게 출발했다. 


솔로로 시작하는 모든 협주곡이 협연자에게 큰 부담을 주기 마련이다. 이것은 마치 피겨 스케이팅의 중요한 기술인 점프가 연기의 앞부분에 배치되어 있어서 그것의 성패가 전체 연기에 영향을 미치는 것과 같을 것이다. 문제는 시작이 삐끗거렸을 때 그것을 극복하고 페이스를 찾는 일이다. 


그런 점에서 문웅휘의 첼로는 1악장의 후반부로 가면서 점차 제 페이스를 되찾았다. 흔들렸던 리듬도 점차 안정되어 갔고, 그의 첼로에서 인상적인 소리들이 나오기 시작했다. 느린 악장인 2악장에서 첼레스타와의 앙상블은 반짝였고, 호른 솔로도 문웅휘의 연주를 빛나게 하는 데에 일조했다. 


이 곡을 초연한 전설적인 첼리스트, 므스티슬라프 로스트로포비치는 쇼스타코비치가 그렸던 첼로의 이상이었다. 쇼스타코비치의 마음 속에는 로스트로포비치의 첼로 소리가 새겨져 있었다고 해도 과언이 아니다. 문웅휘의 첼로가 쇼스타코비치의 이상을 자신만의 소리로 탈바꿈 시킨 것을 볼 수 있는 부분은 카덴차로만 구성된 3악장이었다. 문웅휘는 거칠고 날 것 그대로의 강렬한 소리보다는, 훨씬 더 고운 결을 가진 다듬어진 소리로 3악장을 연주했지만, 거기에는 일관된 흐름이 있었다. 침묵을 활용하여 완급을 만들어냈고, 그의 첼로가 가진 표현성은 돋보였다. 

문웅휘의 첼로가 가진 이러한 장점은 그가 연주한 앙콜곡인 브리튼의 무반주 첼로 모음곡 1번의 세레나타 악장에서 그대로 이어졌다. 역시 로스트로포비치의 연주로 초연되었던 브리튼의 작품을 연주함으로써, 문웅휘는 쇼스타코비치와 브리튼, 로스트로포비치로 이어지는 20세기 음악사의 중요한 연결고리를 청중들에게 선보였다.  


박영민과 부천필의 교향곡 10번

하지만 무엇보다도 이 날 연주회의 하이라이트는 부천필의 사운드로 탄생한 쇼스타코비치의 교향곡 10번이었다. 지난 정기연주회에서 연주된 교향곡 12번, “1917년”의 연주에서도 부천필은 쇼스타코비치 특유의 페이소스와 조롱이 한 데 뒤섞인 음악을 멋지게 빚어냈었다. 지난 연주회에서도, 이번 연주회에서도 부천필의 금관악기들은 쇼스타코비치와 좋은 궁합을 선보였다. 금관의 앙상블이 부천필의 트레이드마크라는 말이 괜한 소문은 아니라는 것을 확인시켜주었다.  

오케스트라의 실내악적인 앙상블들이 빛나는 순간들도 여러 차례 있었다. 가령, 1악장에서의 제1바이올린과 제2바이올린의 긴밀한 앙상블, 바순과 콘트라바순의 멋진 조합, 3악장 마지막 부분의 플롯과 피콜로의 앙상블은 교향곡 전체가 빚어지는 과정에서 빛나는 순간들이었다. 

지휘자 박영민이 보여준 집중력은 이 교향곡 전체가 하나의 일관된 드라마로 전달되는 데에 있어서 가장 큰 역할을 하지 않았나 싶다. 전체 길이의 절반에 육박하는 1악장에서, 지휘자 박영민은 20분이 훌쩍 넘어가는 이 악장이 하나의 커다란 흐름을 가지고 들릴 수 있도록 하는 데에 있어서 훌륭한 균형감각을 보여줬다. 그의 지휘 아래 부천필은 1악장의 긴장감을 시종일관 잃지 않았고, 이 집중력은 1악장을 넘어서 작품 전체가 응집력 있는 하나로 만드는 데에 있어서 결정적인 역할을 했다.  

박영민과 부천필은 흐트러지지 않는 집중력으로 쇼스타코비치가 강조한 “열정”을 이 교향곡 안에 온전히 담아냈다. 4악장의 안단테에서 알레그로로 넘어가는 부분의 바순의 화려한 솔로 패시지에서 오케스트라의 모든 에너지를 쏟아내는 마지막 화음에 이르기까지, 박영민과 부천필은 이들이 그동안 구축한 사운드가 이제 한국의 청중들을 넘어, 유럽의 청중들을 감동시킬 수 있는 능력이 차고도 넘침을 보여주었다.  


글|정이은(음악학자) 

글 박성준 기자   

유럽투어 앞둔 ‘부천필’ 박영민 상임지휘자 

“韓 오케스트라 젊고 기량 좋아… '꿈의' 베를린필홀서 연주 영광”   

“우리가 수준 높으니 걱정 없어요.”   

오는 10월 초 유럽 순회 연주에 나서는 박영민 부천필하모닉오케스트라 상임지휘자에게 “유럽 현지에 수준 높은 연주를 보여줘야 한다는 부담이 없느냐”고 묻자 즉각 돌아온 답이다. 박 상임지휘자는 “물론 세계 정상급 오케스트라는 오랜 전통도 있고, 예산도 풍부하고, 잘하는 이를 뽑은 데서 또 뽑으니 잘하지만, 유럽 모든 오케스트라가 다 잘하는 건 아니다”며 “좋은 계기만 있으면 우리가 더 잘할 테니 특별한 부담은 없다. 우리나라 오케스트라들이 젊고 기량도 좋다. 특히 부천필은 기량이 월등한 오케스트라”라고 자신감을 나타냈다.  

 10월 4일 독일 쾰른필하모닉홀 연주를 시작으로 베를린에서 프랑스 메츠로 이어지는 이번 유럽 정기연주회는 한국 작곡가 조은화가 작곡한 장구와 오케스트라를 위한 ‘자연(自然), 스스로 그러하다’, 쇼스타코비치 교향곡 제10번, 라흐마니노프 피아노 협주곡 제3번, 차이콥스키 교향곡 제4번 등 까다로운 곡이 고루 포함됐다. 최근 추계예대 연구실에서 만난 박 상임지휘자는 “레퍼토리도 많고 힘든 곡도 많은데 단원들이 모두 집중하다 보니 연습진도가 굉장히 빠르다”며 “오늘로 사흘째 연습인데 벌써 ‘이런 컬러가 나오겠구나’는 연주 형체가 나온다”고 말했다.   특히 부천필은 이번 유럽투어에서 세계 클래식 연주자에게 각별한 의미를 지니는 전통의 베를린필하모닉홀 무대에도 선다. 박 상임지휘자는 “베를린필하모닉홀 연주는 누구나 영광스럽게 생각한다. 세계 정상급 연주홀 무대에 설 기회를 갖는다는 건 여러 의미를 가진다”고 말했다.   

마침 부천필은 오랜 산고(産苦) 끝에 2023년을 목표로 전용 콘서트홀을 짓기 위한 터 잡기를 시작한 상태다. 오케스트라는 꾸준히 같은 공간에서 연습해야 자신만의 음색을 만들고 유지할 수 있다. 이 때문에 오케스트라에 전용 연주홀은 꼭 필요하나 실제 가지고 있는 악단은 베를린필, 빈필 등 세계적으로도 손꼽을 만큼 적은 ‘꿈의 무대’다. 국내에서도 부천필이 자신만의 연주홀을 가진 첫 오케스트라가 될 전망이다.   부천시가 일찌감치 ‘문화도시’로 좌표를 설정하고 이에 호응해 부천필이 좋은 성과를 쌓아온 덕분이다. 박 상임지휘자는 “전임 임헌정 선생이 젊으실 때 부임하셔서 24년간 놀랍게 발전시키셨다. 그래서 시에서도 전용 홀을 짓자는 얘기가 20년 전부터 있었으나 그만큼 예산이 안 따라오다 제 임기 때에 와서 지어지니 제가 운이 좋은 것”이라고 말했다.   ‘부천필하모닉홀’ 이야기에 박 상임지휘자 목소리는 열기를 띄었다. 그는 “여러 전문가가 모여 회의를 한두 번 한 게 아니다. 제 주장은 오로지 ‘음향의 중요성과 예산배정을 최우선으로 해달라’였는데 다행히 모두가 공감해줬다. 다른 건 예산에 따라 달라질 수 있어도 음향 부분 예산은 고정됐다”고 말했다. 이뿐만 아니다. 설계단계에서부터 연주자는 물론 악기 담당 등 여러 악단 관계자들이 모두 의견을 내서 악기 이동을 위한 동선, 연습실 크기, 음향 조건 등이 세세히 검토됐다. 

박 상임지휘자는 “오케스트라가 주인으로서 연주홀 건축단계부터 참여하는 사례는 거의 없다”고 말했다.덕분에 ‘클래식·무용·연극·뮤지컬 등 모든 공연이 가능하다’며 지어놓았으나 결국 모든 공연에 부적절한 무대가 되어버리는 여느 지자체 다목적홀과는 차원이 다른 클래식 전용 연주장을 기대하게 된 것이다. 박 상임지휘자는 “고양 아람음악당(2007년)이 그 시대 지어진 것 중에는 음향이 가장 좋고, 최근 지어진 롯데콘서트홀(2016년)은 다른 연주홀과는 또 다른 세대에 속한다”면서도 “우리 연주장은 한발 더 나아가서 가변형 천장 음향판을 최초로 갖게 된다. 오케스트라 편성에 따라 잔향을 조정할 수 있는데 지금까지 국내에선 소방법에 걸려 이를 적용할 수 없었다고 한다”고 자부했다. 적지 않은 예산문제로 빠졌던 파이프오르간도 부천시 결단 덕에 설치되는 쪽으로 막판에 바뀌었다. “후대에 보면 또 시대적 한계가 있을 겁니다. 그러나 ‘이 시대에는 최선이었다’고 말할 수 있는 콘서트홀이 태어날 겁니다. 영국 전문업체가 음향을 담당하는데 ‘모든 디테일한 소리가 살아날 수 있도록 만들어달라’고 요구했습니다.”   32세 젊은 나이에 추계예대 교수가 되어 50세에 부천필 상임지휘자가 된 박영민은 5년 전 취임 일성으로 “계속 새로운 시도도 하고 수준도 높여야 한다. 적당히 하면 퇴보한다”고 다짐했다. 

그 말대로 2015년 시작한 ‘말러 시리즈’, 2016년 ‘바그너의 향연’, 2017년 ‘R. 슈트라우스 시리즈’에 이어 올해 러시아의 20세기 음악을 대표하는 ‘드미트리 쇼스타코비치 시리즈’를 진행 중이다. 레퍼토리가 화제에 오른 김에 왜 국내 클래식계에 ‘말러’, ‘쇼스타코비치’ 곡들이 풍년인지 물었다. “요즘 유행이죠. 제가 학생일 때(80년대)는 말러는 (대편성이어서) 국내 오케스트라는 연주가 불가능했고 쇼스타코비치는 옛소련 적성국 음악이어서 금지곡이었어요. 연주가 금지인 정도가 아니라 아예 음반을 못 사게 한 시절입니다. 오케스트라 레퍼토리가 보통 베토벤, 브람스 곡인데 그러다 보니 너무 차별성이 없어요. 오케스트라 곡에도 사이즈가 있습니다. 보통 2관 편성이면 단원 60명 이하 중소규모 오케스트라고 부천필은 3관 편성으로 단원수가 80여명입니다. 그러면 80여명이 참가하는 걸 해야 하는데 모차르트 곡을 하면 참여 단원이 너무 적어집니다. 그러다 보니 선택의 폭이 줄어들어요. 80여명이 할 수 있는 곡이 많지 않습니다. 말러 교향곡 정도를 언제든지 좍 꺼내서 보여줄 수 있는 역량을 갖춘 오케스트라면 사실 웬만한 건 다 할 수 있습니다. 그런데 청중이 얼마나 연주곡에 익숙 해하느냐가 문제입니다.”  

 현대곡·창작곡 연주가 적다는 지적에 대해서도 “현대곡이 들어가면 관객이 현저하게 줄어든다. 한 곡만 끼어 있어도 관객이 그 곡 끝나고 들어올 정도다. 그런데도 ‘누군가는 모험해야 하지 않냐’고 하는데 현실이 녹록지 않다”고 설명했다.   해군제독, 야구감독과 함께 한번 해볼 만한 직업으로 꼽히는 지휘자의 리더십에 대해서도 물었다. “오케스트라는 지휘자 혼자 만드는 게 절대 아닙니다. 방향성을 제가 제시하면 단원 각자 아티스트라서 그것에 대한 자신들 반응이 있습니다. 그런 반응이 모여서 부천필만의 컬러가 나오는 겁니다. 한마디로 예술이죠. 전체적으로 음악과 음색을 만들기 위해 여러 악기가 조금씩 음정을 조정해서 그 색깔을 만드는 게 오케스트라 예술의 결정체입니다. 오케스트라는 미묘한 차이로 컬러가 조금씩 변합니다. 열심히 세공하듯 화음과 리듬을 다듬어내는 걸 강조합니다. 무슨 ‘화이팅’류의 단합, 인간적 소통을 위한 회식 같은 건 전혀 요구하지 않습니다.”  

 ‘지휘자=카리스마’라는 인식에 대해서도 박 상임지휘자는 동의하지 않는다는 뜻을 밝히며 뜻밖의 의견을 밝혔다. 그는 “요즘 세계적으로 여성 지휘자가 우대받는데 그들이 기회가 주어지니 굉장히 잘한다”며 “왜냐면 여성 지휘자는 ‘마초 스타일’처럼 쓸데없이 인간적 지배를 하려 않는다. 그게 오히려 오케스트라 단합을 잘 시킨다. 역사적으로 얘기된 지휘자의 남성성이 오히려 온전한 의미에선 ‘앙상블’을 그다지 못 이룰 수 있다”고 말했다.  

 ‘좋은 지휘자, 좋은 오케스트라’에 대해선 “딱 음악에 헌신해야한다”고 말했다. 박 상임지휘자는 “지휘자는 동작이나 신호, 표현이 음악적 목표에 딱 분명히 부합해야 한다. 그러기 쉽지 않아서 하는 얘기다. 과장이나 허세는 지휘자에게 흔히 볼 수 있는 것“이라며 “그런 유혹을 느낀다. 사람들이 자기만 쳐다보니까”라고 설명했다. 이른바 지휘자의 쇼맨십도 무대에서 보다 자극적인 음악 반향을 끌어내기 위해 필요할 때가 있지만 그런 이유 없이 그저 과장된 몸짓인 경우가 매우 많다는 지적이다. “지휘자도 연주할 때는 연습할 때와 달리 오케스트라에 보여주는 면모가 있습니다. 무대에 불이 들어왔을 때 지휘자의 그런 열정에 단원도 스스로 감동하고. 지휘자도 감동하면서 관객도 예기치 못한 효과와 음악적 달성을 볼 수 있는 겁니다. 그런데 그게 아니라 그냥 과장된 쇼맨십도 있습니다. 그런 면에서 좋은 연주자는 음악에 헌신해야 합니다.”   

공연계에서 오랫동안 시빗거리인 관객 매너에 대해서도 물었다. 그는 “조용할 때 (소리)나면 좀 짜증 나죠. 집중해서 잘 가는 중인데 ‘김샜다’ 그런 느낌이 드는 건 사실입니다. 하지만 그렇다고 탓할 수는 없죠. 물론 전자기기는 조심해야 하고 아예 차단했음 좋겠는데, 그 또한 실황이 가진 우연성 아니겠어요. 그런다고 연주가 흔들릴 정도는 아닙니다. 그 정도는 극복해낼 수 있어야 프로죠. 돈 내고 시간 내서 온 관객이 일부러 그러진 않았을 텐데. 특히 악장 간 기침은 집단 심리죠. 세계 어디나 있는 현상입니다. 날씨 나쁜 나라는 관객 기침이 굉장히 많아요. 러시아 연주를 들어보면 계속 누군가 기침합니다.”   포부만큼 도전적으로 부천필을 이끌어 온 박 상임지휘자는 유럽투어 후 계획에 대해서 “너무 고생하는 건 안 해야지 한다”면서도 야심찬 청사진을 펼쳐 보였다. “또 다른 음반 녹음 시리즈를 생각해봐야죠. 말러 심포니 등 부천필이 녹음한 음반이 꾸준히 호응을 얻으며 굉장히 성공했습니다. 또 연주홀이 완공되면 국제음악제도 가능한데 하려면 미리 준비해야죠.”   마지막으로 콘서트홀 연주 직전 객석과 악단의 모든 감각이 그가 치켜든 지휘봉에 집중된 순간 느낌을 물었다. “지배력이요? 어휴. 그게 부담이지 쾌감이겠어요. 부담이지. 내 손끝 하나로 왕창 말아먹을 수 있는 생각이 든다면 얼마나 부담이겠어요. 스트레스는 그냥 받아요. 받아서 엉망이 돼요. 지휘자가 장수한다는 건 옛날얘기고요. 아마 잘 된 지휘자만 장수했을 거예요. 잘 안된 지휘자는 그전에 다 죽었을 거예요.”  

 (Quoted from Segye daily news)

“베를린필하모닉홀에서 오는 10월께 공연해 달라는 요청을 받았습니다. 부천필하모닉이 세계적으로 인정받는 중요한 계기가 될 겁니다.”

박영민 부천필하모닉오케스트라 음악감독 겸 상임지휘자(사진)는 18일 “베를린필하모닉홀에 초청받는 것은 국내 오케스트라 중 2015년 경기필하모닉에 이어 두 번째”라며 이같이 말했다.

한국 연주자들이 세계적 콩쿠르를 휩쓸며 이름을 알리고 있는 데 비해 한국 악단들은 그럴 만한 기회가 흔치 않은 게 사실이다. 박 감독은 “말러 연주 앨범을 꾸준히 내며 해외 클래식 관계자들에게 부천필을 알려왔는데 이런 노력이 통한 것 같다”며 “베를린 공연은 다른 나라 무대에 오르는 데도 많은 도움이 될 것”이라고 기대를 나타냈다.

올해 창립 30주년을 맞은 부천필은 국내에 ‘말러 열풍’을 본격 확산시킨 악단이다. 후기 낭만주의 대표 음악가인 말러 음악은 1990년대까지 국내에서 거의 연주되지 않았다. 이런 가운데서도 부천필은 1999년부터 2003년까지 말러 교향곡 10곡을 완주했다. 2007년부터 6년간은 또 다른 후기 낭만주의 작곡가인 브루크너의 교향곡 9곡을 모두 연주하는 대장정을 펼쳤다.

2015년부터 부천필을 이끌고 있는 박 감독은 지난해 임기 3년을 마쳤으며, 2020년까지 연임이 확정됐다. 그는 바그너 시리즈를 선보이는 등 잇따라 새로운 도전에 나섰다. 2015년엔 일본 가나자와에서 열린 ‘라 폴 주흐네’ 축제에 단원들과 함께 한국 오케스트라 최초로 참가하기도 했다.

올해엔 30주년을 맞아 그동안 연주 활동을 결산하는 공연들을 마련했다. 오는 7월5일 서울 예술의전당 콘서트홀에서 여는 ‘말러가 바라본 베토벤’ 무대에선 부천필의 독특한 색채를 선보일 계획이다.

“베토벤이 한 세기 뒤인 말러 시대에 살았다면 더 좋은 악기와 연주 기법을 활용했을 것이라 가정하고 말러가 편곡을 했는데요. 원작을 훼손했다는 비난도 받았지만 탁월한 관현악법을 접목했다는 평가를 받고 있습니다.”

해당 작품은 베토벤의 ‘교향곡 5번 운명’과 ‘3번 영웅’이다. “정통 프로그램을 벗어나 신선한 시도를 하기 위해서 해외에선 이미 말러의 편곡 작품이 많이 연주되고 있습니다. 국내에선 최초인데 색다른 편곡의 맛을 경험할 수 있을 겁니다.”

‘베스트 클래식 시리즈’에선 대중에게 잘 알려진 클래식 명곡들을 선보인다. 2월23일과 3월23일엔 부천시민회관 대공연장에서, 9월1일엔 예술의전당 콘서트홀에서 열린다. 시벨리우스의 ‘교향곡 2번’, 브람스의 ‘교향곡 2번’, 베를리오즈의 ‘환상교향곡’ 등이 펼쳐진다. 박 감독은 “부천필하모닉의 연주를 즐겨들은 팬들을 집결시키는 축제 같은 공연이 될 것”이라고 강조했다.

(Quoted from The Korea Economic Daily)

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Celebrating the 30th anniversary of the orchestra, the Bucheon Philharmonic Orchestra will present the 2nd and 5th Symphony of G. Mahler. Then in May, the performance and the recording session of Mahler’s Symphony No. 2 are scheduled to take place in Lotte Concert Hall. Moreover, the special project named as ‘Beethoven through Mahler’s view’ draws public attention. Bucheon Philharmonic Orchestra stated that “the Late Romantic-era composer, Mahler ventured on the orchestral arrangement of the Symphony by Beethoven who is a Maestro a century ago” and “the concert in Seoul Art Center on 5th July is being attempted domestically for the first time. The audience will be able to enjoy Beethoven Symphony No. 3 and No. 5 with Mahler’s quadruple woodwind arrangement”. 

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창단 30주년을 맞은 부천필하모닉 오케스트라가 말러 교향곡을 올해 주요 레퍼토리로 내놨다. 알려져 있다시피 말러 교향곡은 부천필하모닉이 지금까지 걸어온 역사에서 가장 두드러지는 음악이다. 1999년부터 2003년까지 이어진 부천필하모닉의 ‘말러 교향곡 전곡 연주’는 한국에서의 첫 시도였고 국내에 ‘말러 붐’을 일으킨 계기로 작용하기도 했다. 

당시 부천필하모닉을 이끌었던 지휘자 임헌정에 이어 2015년부터 상임지휘자로 지휘봉을 든 박영민도 역시 말러 음악에 많은 애정을 쏟아왔다. 박영민과 부천필하모닉은 2016년 말러의 6번 교향곡을 연주해 음반까지 발매했으며, 지난해에도 1번 교향곡을 음반으로 내놓은 것을 비롯해 일본 가나자와시에서 개최한 라폴레 주네 페스티벌에서도 같은 곡을 연주해 호평을 들었다.

30주년을 맞은 올해에는 2번과 5번 교향곡을 선보인다. 4월에 열리는 예술의전당 교향악축제에서 5번 교향곡을 연주한다. 이어서 5월에는 롯데콘서트홀에서 2번 교향곡의 연주와 녹음이 예정돼 있다. 또 ‘말러가 바라본 베토벤’이라는 특별기획도 관심을 끈다. 부천필하모닉 측은 예술의전당에서 7월5일 열리는 이 연주회에 대해 “후기 낭만 시대의 음악가 말러는 한 세기 전의 대작곡가 베토벤의 교향곡에 관현악적 편곡을 감행했다”면서 “베토벤의 교향곡 3번과 5번을 말러식 4관 편성의 연주로 맛볼 수 있는, 국내 최초의 시도”라고 밝혔다. 

11월16일 롯데콘서트홀에서 열리는 연주회도 올해의 기대작이다. 브루크너가 바그너의 죽음을 애도하며 작곡했던 교향곡 7번과 브람스의 ‘알토 랩소디’를 함께 선보이는 연주회다. 부천시립합창단과 메조 소프라노 이아경이 협연한다. 9월1일 예술의전당에서 선보이는 베를리오즈의 ‘환상교향곡’과 리스트의 ‘죽음의 무도’(피아노 박진우)도 올해의 기대작 가운데 하나로 손꼽힌다.

30주년을 기념하는 무대로 오페라도 준비했다. 연말 레퍼토리로 사랑받는 푸치니의 <라 보엠>(연출 이의주)을 12월7~8일 부천시민회관에서 공연한다. 부천필하모닉과 부천시립합창단이 함께 꾸미는 무대이며, 합창단원들이 오페라의 주요 배역까지 맡을 예정이다. 부천필하모닉은 이밖에도 ‘청소년 음악회’ ‘어린이를 위한 음악놀이터’ ‘해설음악회’ ‘가족 음악회’ 등을 통해 보다 친근하고 대중적인 연주도 선보일 계획이다.

(Quoted from Kyung Hyang Daily News)

“부천에서 아시아 오케스트라 축제를 여는 게 꿈입니다.”

1988년 4월 창단된 부천필하모닉 오케스트라가 올해로 30주년을 맞았다. 서울 광화문에서 23일 만난 박영민 상임지휘자(53)는 “경기 부천은 문화도시로서 저력이 상당하다”며 “일본 홍콩 대만 등 아시아 오케스트라가 모여 실력을 겨루는 축제를 만들고 싶다”고 말했다.  

부천필은 국내 최초로 말러와 브루크너 교향곡 전곡을 연주하며 한국 클래식계에 새바람을 일으켰다. 2015년 부임한 박 지휘자는 말러 시리즈와 리하르트 슈트라우스 시리즈 등을 시도해 주목받아 왔다. 그는 “해외 오케스트라와의 교류가 주는 자극이 있다. 국내 오케스트라는 실력에 비해 아직 국제적 명성이 부족한데, 아시아 주요 오케스트라와 함께하는 축제가 명성 확보에 도움이 될 것”이라고 했다.

부천필은 2021년까지 부천시청 내 6500m²(약 1970평) 부지에 전용홀을 짓는다. 최근 세계적인 음향공학자 나카지마 다테오 씨 등과 부천필 단원들이 부천필만의 공간을 위해 머리를 맞댔다.  

“나카지마 씨가 어떤 소리를 원하냐고 묻더군요. 부천필의 캐릭터에 맞는 홀을 만들어야 한다는 거였어요. 집에서 듣는 음악과 차별화되는 사운드를 내는 공간을 만들려고 해요. 가장 최근에 만든 공연장이 최고의 공연장이라는 업계 이야기가 있는데, 기대하셔도 좋습니다.”

그는 추계예대 교수와 지휘자 일을 겸하고 있다. 지휘자로서 가장 중요한 자질에 대해 “음악으로 소통하는 것”이라고 했다.  

“오케스트라도 사기 진작이 중요해요. 그러려면 음악적 목표 외에 다른 요소가 개입되면 안 되죠. 저희 단원들은 음악적 욕심이 커서 제가 쉬자고 해도 더 연습하자고 합니다. 고마운 일이지요.” 

(Quoted from Dong-A Daily)